"Sobre la fugacidad"
Pichi De Benedictis fotografia
texto en catálogo María Santacecilia
curaduría
Paula Coppa María Santacecilia
direccion
Paula Coppa
martes, 27 de diciembre de 2011
domingo, 5 de junio de 2011
Muestra en el CEC Rosario
El 11 de mayo de 2011 inauguré en el CEC Rosario, Paseo de Las Artes y Rio Paraná la muestra en el espacio Conexiones: Cuero 4 instalaciones.
Las imágenes fueron hechas por Nelba Canelli integrante del curso en Zona Roja Encuentros para el seguimiento de proyectos.
Las instalaciones fueron hechas en su mayoría con retazos de la industria del cuero, Los títulos son:
Retrato de familia, Despojos, Jugando a la costurera y Látigos.
Tres de ellas fueron presentadas en Comodoro Cultura en Comodoro Rivadavia y serán expuestas en el Museo de Bellas Artes Timoteo Navarro en la provincia de Tucuman en octubre de este año.
El hecho real en el espacioque intervienen las cuatro instalaciones, ha sido conmovedor en diferentes frecuencias y moviliza de manera particular a los espectadores que la han visto. El cuero es un material sumamente cálido y correspondiente con los la sensibilidad humana. Los colores acompañan esta calidez y se contraponen con la aridez del concepto de cada una.
Es menester que les cuente el placer que me dió trabajar en ellas y todo lo que me ha enseñado manipular estas calideces y suavidades.
La poesía acudía a mi en cuanto me ponía en contacto con estas pieles y multiples significados se bifurcaban quedando solo aquellos de los que, con gran esfuerzo, pude descontaminar de mis pasiones. En pos de una mejor comunicación diría que dejaba el trabajo cuando me superaban las ganas de seguir trabajándolo. Como para que no se terminara, igual que el encuentro con un amante que tiene todo para dar. Está presentada con un texto de Jean Jackes Lachapelle, de Canadá, quien tuvo la generosidad de escribir sobre ellas.
TDMaria TALLER DE ARTES VISUALES EN FLORIDA BUENOS AIRES
Las imágenes fueron hechas por Nelba Canelli integrante del curso en Zona Roja Encuentros para el seguimiento de proyectos.
Las instalaciones fueron hechas en su mayoría con retazos de la industria del cuero, Los títulos son:
Retrato de familia, Despojos, Jugando a la costurera y Látigos.
Tres de ellas fueron presentadas en Comodoro Cultura en Comodoro Rivadavia y serán expuestas en el Museo de Bellas Artes Timoteo Navarro en la provincia de Tucuman en octubre de este año.
El hecho real en el espacioque intervienen las cuatro instalaciones, ha sido conmovedor en diferentes frecuencias y moviliza de manera particular a los espectadores que la han visto. El cuero es un material sumamente cálido y correspondiente con los la sensibilidad humana. Los colores acompañan esta calidez y se contraponen con la aridez del concepto de cada una.
Es menester que les cuente el placer que me dió trabajar en ellas y todo lo que me ha enseñado manipular estas calideces y suavidades.
La poesía acudía a mi en cuanto me ponía en contacto con estas pieles y multiples significados se bifurcaban quedando solo aquellos de los que, con gran esfuerzo, pude descontaminar de mis pasiones. En pos de una mejor comunicación diría que dejaba el trabajo cuando me superaban las ganas de seguir trabajándolo. Como para que no se terminara, igual que el encuentro con un amante que tiene todo para dar. Está presentada con un texto de Jean Jackes Lachapelle, de Canadá, quien tuvo la generosidad de escribir sobre ellas.
TDMaria TALLER DE ARTES VISUALES EN FLORIDA BUENOS AIRES
sábado, 5 de marzo de 2011
www.resonancias.org por Maria SantaCecilia
Iglesias Brickles: El arte impar por María Santa Cecilia
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Eduardo, ¿qué opinión tenés del arte contemporáneo?
Pienso que está basado en la publicidad, que su ADN es el mismo que el de la publicidad, buscando el efectismo, llamando la atención del público, teniendo como premisa un espectador pasivo, que al mirar, sienta exactamente lo que se le propone. Por eso tiene un marco teórico amplio que redondea el mensaje; como una ruta marcada para acceder a la obra. En el arte tradicional, en la pintura por ejemplo, el papel del espectador es activo porque la obra es abierta y cada uno puede realizar su propia versión con su bagaje sentimental y su historia personal.
Respecto a tu labor plástica, ¿trabajas en pintura y grabado?
Estudié 4 años en la escuela Manuel Belgrano y 3 años en la Pueyrredon. Elegí la especialización en grabado porque me interesaba el dibujo. Así, hice aguafuerte, xilografía y, al pasar los años, tuve necesidad de pintar. Luego se formaron las “xilopinturas” que son las planchas de grabado, pintadas.
Puedo permitirme decir que tus obras tienen un componente gráfico.
Si, y el uso del negro es muy del estilo de la gráfica, lo uso mucho. Por otra parte, en mis épocas de grabado no realizaba más de cinco copias por plancha, por una cuestión económica más que nada. En algunas ocasiones, si me las pedían, lo hacía como cuando gané el Gran premio del Salón Nacional Manuel Belgrano y la imagen era difundida y muy buscada.
¿Tenés una relación muy estrecha con los libros?
Realicé un libro para bibliófilos “El jorobadito y otros cuentos” de Roberto Arlt e hice 50 copias en esa tirada, yo no las imprimí, sólo preparé las planchas y las entregué.
¿Podríamos decir que el libro es una joya?
Si, es una joya de colección. Sólo se editaron cincuenta ejemplares para los socios. Otra vez que hice alguna tirada más extensa de grabados fue para Holanda, luego un coleccionista japonés editó un libro sobre grabadores y me incluyó. Es también un bello libro en japonés.
¿Es importante el libro en tu carrera?
Sí, creo que todos los artistas deberían tenerlo en algún momento, considerando tener un cuerpo de obra que les parezca interesante, por otra parte es mi opinión que en todas las muestras de arte debería haber catálogo, porque es un documento para seguir trabajando despues de terminada la muestra a la que sólo van entre ochenta y cien personas.
Tenés un libro propio...
Mi libro de la editorial Asunto Impreso, está diagramado por mí y pensado como los de Taschen, de consulta, livianos y con muy buen fotograbado y también relativamente económicos. Trabajé con Alberto Petrina que es riguroso en la corrección y salió sin un error.
¿Qué relación tenés con la crítica de arte en general?
Con los críticos argentinos tengo una relación profesional, no son amigos ni enemigos. Hay quienes tienen criterios valiosos y otros no tanto, pero ya no tienen el poder de las primeras décadas del siglo XX de señalar quién tenía valor como artista y quién no. Yo tengo formación periodística y escribo en mi blog del diario Clarín, pero pedí escribir solo de artistas muy consagrados o de artistas jóvenes para no subjetivar demasiado con mi propia generación, los artistas de mi promoción son Marcia Schvartz, Stupia, Pino, Pirozzi y Pietra. Ellos salieron de la escuela con un convencimiento de que eran verdaderos artistas y que trabajarían enseguida. Yo tardé un poco más en llegar a eso, dejaba que la obra “madurara” en el taller un tiempo antes de mostrarla.
Fuiste discípulo de la importante grabadora argentina Aída Carvallo ¿cuál fue su influencia en tu obra?
Si, era una gran artista. Ella pensaba que el artista tenía que esperar que lo buscaran (idea romántica) y no perseguir a curadores, críticos y directores de museo para encontrar un espacio y armar una muestra. Ahora creo que ni lo uno ni lo otro. La difusión es importante y el trabajo en el taller lo es más. No hay que perder energía que uno necesita para su elaboración e investigación desperdiciándola en proyectos que no tienen sentido. Pero, eso se aprende con los años, como me pasó a mí.
¿Trabajas como docente?
Sí, en la Universidad del Museo Social Argentino. Doy dibujo de tercer año que es una materia troncal, y una vez al año invito a los alumnos al taller. Acá les muestro la cantidad de obra que se acumula y que va perteneciendo al trabajo de años, como señal de que es una profesión que necesita años de dedicación, sin duda la obra saldrá afuera y será conocida.
En relación con la mirada del otro, ¿trabajas en función de esa mirada?
El espectador es muy valioso para mí. Me indica y me hace reflexionar sobre diferentes aristas que quizás no había pensado, pero a la hora de crear solo asumo mi percepción. Trabajo con cuatro o cinco temas que son las variantes de uno solo y veo como en el lapso de 25 a 30 años de carrera los temas vuelven cada tanto tiempo, modificados esta vez por la mirada del otro.
Es la teoría de los infratemas, que cada artista pone en todas sus obras y que ni lo toma en cuenta.
Si, algunos espectadores lo ven y lo disfrutan también. Otra cosa es que en materia de pintar, como dice un amigo mío, hago lo que creo que debería estar colgado en las paredes, lo que falta por decirlo así, busco en las pequeñas rendijas y la idea se cuela y logra abrirse paso.
Trabajas sin prejuicios respecto al color, con planos sensuales que a mí me recordaron a Gauguin.
Es uno de los artistas que más consulto, ya que elaboraba sus obras en un marco que, a nosotros, los latinoamericanos nos es más conocido que para él. Sus modelos eran de piel morena y de pelo oscuro como somos nosotros. La luz que muestra con sus colores y planos obedece a esto, a destacar esta estética. Es uno de sus conceptos entre otros.
¿Qué artistas consultas aparte de Gauguin?
Balthus, Beckmann, los miró cuando debo resolver algún plano.
Contanos sobre tu serie de obras “After Guatemala”.
Fue expuesta en la galería Veermer de Buenos Aires en el año 2009. Estando en México, fui a El Salvador y a Guatemala. Encontré que lo popular es tan impresionante en materia de color que no hice más que expresarlo.
Otra muestra fue la de la Universidad de Lanús…
Realicé obras de 3 por 3 metros en lona para colgar ya que el espacio es increíble, con la arquitectura de las estaciones ferroviarias, de techos altos y vigas de acero. Allí el tema fue la pérdida de gran parte de los trenes que tuvimos los argentinos.
Y pensando como coleccionista ¿qué comprarías?
Sin duda, compraría las obras de Daneri o de Lacámera, artistas argentinos para contemplar. También me gustan mucho los pintores de La Boca de los años de Quinquela Martín y el grupo Bermellón
Por último, ¿cuál es el tema que vas a desarrollar en tu exposición en octubre de este año?
Fui invitado por la Fundación ALON para las Artes a realizar un proyecto, la edición del libro de Roberto Arlt “ Los Siete Locos”, cosa que me tiene muy contento ya que es sumamente enriquecedor trabajar con una fecha ya dada y con Arlt como tema que me ofrece generosamente sus increíbles descripciones. A las que, está claro, dejaré que fluyan en mis bocetos y revivan una vez más en su fascinante clima de incertidumbres.
Buenos Aires, febrero de 2011
www.iglesiasbrickles.com.ar
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Eduardo, ¿qué opinión tenés del arte contemporáneo?
Pienso que está basado en la publicidad, que su ADN es el mismo que el de la publicidad, buscando el efectismo, llamando la atención del público, teniendo como premisa un espectador pasivo, que al mirar, sienta exactamente lo que se le propone. Por eso tiene un marco teórico amplio que redondea el mensaje; como una ruta marcada para acceder a la obra. En el arte tradicional, en la pintura por ejemplo, el papel del espectador es activo porque la obra es abierta y cada uno puede realizar su propia versión con su bagaje sentimental y su historia personal.
Respecto a tu labor plástica, ¿trabajas en pintura y grabado?
Estudié 4 años en la escuela Manuel Belgrano y 3 años en la Pueyrredon. Elegí la especialización en grabado porque me interesaba el dibujo. Así, hice aguafuerte, xilografía y, al pasar los años, tuve necesidad de pintar. Luego se formaron las “xilopinturas” que son las planchas de grabado, pintadas.
Puedo permitirme decir que tus obras tienen un componente gráfico.
Si, y el uso del negro es muy del estilo de la gráfica, lo uso mucho. Por otra parte, en mis épocas de grabado no realizaba más de cinco copias por plancha, por una cuestión económica más que nada. En algunas ocasiones, si me las pedían, lo hacía como cuando gané el Gran premio del Salón Nacional Manuel Belgrano y la imagen era difundida y muy buscada.
¿Tenés una relación muy estrecha con los libros?
Realicé un libro para bibliófilos “El jorobadito y otros cuentos” de Roberto Arlt e hice 50 copias en esa tirada, yo no las imprimí, sólo preparé las planchas y las entregué.
¿Podríamos decir que el libro es una joya?
Si, es una joya de colección. Sólo se editaron cincuenta ejemplares para los socios. Otra vez que hice alguna tirada más extensa de grabados fue para Holanda, luego un coleccionista japonés editó un libro sobre grabadores y me incluyó. Es también un bello libro en japonés.
¿Es importante el libro en tu carrera?
Sí, creo que todos los artistas deberían tenerlo en algún momento, considerando tener un cuerpo de obra que les parezca interesante, por otra parte es mi opinión que en todas las muestras de arte debería haber catálogo, porque es un documento para seguir trabajando despues de terminada la muestra a la que sólo van entre ochenta y cien personas.
Tenés un libro propio...
Mi libro de la editorial Asunto Impreso, está diagramado por mí y pensado como los de Taschen, de consulta, livianos y con muy buen fotograbado y también relativamente económicos. Trabajé con Alberto Petrina que es riguroso en la corrección y salió sin un error.
¿Qué relación tenés con la crítica de arte en general?
Con los críticos argentinos tengo una relación profesional, no son amigos ni enemigos. Hay quienes tienen criterios valiosos y otros no tanto, pero ya no tienen el poder de las primeras décadas del siglo XX de señalar quién tenía valor como artista y quién no. Yo tengo formación periodística y escribo en mi blog del diario Clarín, pero pedí escribir solo de artistas muy consagrados o de artistas jóvenes para no subjetivar demasiado con mi propia generación, los artistas de mi promoción son Marcia Schvartz, Stupia, Pino, Pirozzi y Pietra. Ellos salieron de la escuela con un convencimiento de que eran verdaderos artistas y que trabajarían enseguida. Yo tardé un poco más en llegar a eso, dejaba que la obra “madurara” en el taller un tiempo antes de mostrarla.
Fuiste discípulo de la importante grabadora argentina Aída Carvallo ¿cuál fue su influencia en tu obra?
Si, era una gran artista. Ella pensaba que el artista tenía que esperar que lo buscaran (idea romántica) y no perseguir a curadores, críticos y directores de museo para encontrar un espacio y armar una muestra. Ahora creo que ni lo uno ni lo otro. La difusión es importante y el trabajo en el taller lo es más. No hay que perder energía que uno necesita para su elaboración e investigación desperdiciándola en proyectos que no tienen sentido. Pero, eso se aprende con los años, como me pasó a mí.
¿Trabajas como docente?
Sí, en la Universidad del Museo Social Argentino. Doy dibujo de tercer año que es una materia troncal, y una vez al año invito a los alumnos al taller. Acá les muestro la cantidad de obra que se acumula y que va perteneciendo al trabajo de años, como señal de que es una profesión que necesita años de dedicación, sin duda la obra saldrá afuera y será conocida.
En relación con la mirada del otro, ¿trabajas en función de esa mirada?
El espectador es muy valioso para mí. Me indica y me hace reflexionar sobre diferentes aristas que quizás no había pensado, pero a la hora de crear solo asumo mi percepción. Trabajo con cuatro o cinco temas que son las variantes de uno solo y veo como en el lapso de 25 a 30 años de carrera los temas vuelven cada tanto tiempo, modificados esta vez por la mirada del otro.
Es la teoría de los infratemas, que cada artista pone en todas sus obras y que ni lo toma en cuenta.
Si, algunos espectadores lo ven y lo disfrutan también. Otra cosa es que en materia de pintar, como dice un amigo mío, hago lo que creo que debería estar colgado en las paredes, lo que falta por decirlo así, busco en las pequeñas rendijas y la idea se cuela y logra abrirse paso.
Trabajas sin prejuicios respecto al color, con planos sensuales que a mí me recordaron a Gauguin.
Es uno de los artistas que más consulto, ya que elaboraba sus obras en un marco que, a nosotros, los latinoamericanos nos es más conocido que para él. Sus modelos eran de piel morena y de pelo oscuro como somos nosotros. La luz que muestra con sus colores y planos obedece a esto, a destacar esta estética. Es uno de sus conceptos entre otros.
¿Qué artistas consultas aparte de Gauguin?
Balthus, Beckmann, los miró cuando debo resolver algún plano.
Contanos sobre tu serie de obras “After Guatemala”.
Fue expuesta en la galería Veermer de Buenos Aires en el año 2009. Estando en México, fui a El Salvador y a Guatemala. Encontré que lo popular es tan impresionante en materia de color que no hice más que expresarlo.
Otra muestra fue la de la Universidad de Lanús…
Realicé obras de 3 por 3 metros en lona para colgar ya que el espacio es increíble, con la arquitectura de las estaciones ferroviarias, de techos altos y vigas de acero. Allí el tema fue la pérdida de gran parte de los trenes que tuvimos los argentinos.
Y pensando como coleccionista ¿qué comprarías?
Sin duda, compraría las obras de Daneri o de Lacámera, artistas argentinos para contemplar. También me gustan mucho los pintores de La Boca de los años de Quinquela Martín y el grupo Bermellón
Por último, ¿cuál es el tema que vas a desarrollar en tu exposición en octubre de este año?
Fui invitado por la Fundación ALON para las Artes a realizar un proyecto, la edición del libro de Roberto Arlt “ Los Siete Locos”, cosa que me tiene muy contento ya que es sumamente enriquecedor trabajar con una fecha ya dada y con Arlt como tema que me ofrece generosamente sus increíbles descripciones. A las que, está claro, dejaré que fluyan en mis bocetos y revivan una vez más en su fascinante clima de incertidumbres.
Buenos Aires, febrero de 2011
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